Ein Gespräch mit Kié Lee, der von Yohji Yamamoto entdeckten Designerin

Die in Basel geborene Designerin Kié Lee gründete 2016 ihr gleichnamiges Label in New York, bevor sie nach Antwerpen zog. Heute, in ihren Dreißigern, bewegt sie sich in den kreativen Sphären von Raf Simons, Ann Demeulemeester und Jurgi Persoons – Einflüsse, die sich auch in ihren eigenen Entwürfen erkennen lassen.

Lee schöpft ihre kreative Energie aus der Einsamkeit. Das zeigt sich in der konsequenten Verwendung von Schwarz und in markanten Silhouetten, die für sich selbst sprechen. Diese unverwechselbare Bildsprache führte 2022 zu einer fortlaufenden Zusammenarbeit mit Yohji Yamamotos avantgardistischem Sub-Label Wildside.

Beim Antwerpener Modefestival, das am 4. Juni eröffnet, präsentiert sie die Kunstinstallation Evidence. Die Arbeit umfasst Siebdrucke auf Stoffen und Kleidungsstücken, wobei Selbstporträts als wiederkehrendes Motiv dienen.

Sie haben sich in Antwerpen schnell in die lokale Modeszene eingefügt. Wie unterscheidet sich die Energie von der in New York?

New York ist eine großartige Stadt, und ich vermisse sie noch immer sehr. Der Hauptgrund für meinen Weggang waren jedoch die wirtschaftlichen Herausforderungen, ein Studio dort zu betreiben. Die Mieten für kleine Räume waren schlicht unverhältnismäßig hoch. Designer:innen brauchen hohe Decken und großzügige Flächen. Deshalb begann ich, über einen Umzug nachzudenken.

Zu dieser Zeit musste ich leider Insolvenz anmelden. Mit 23 hatte ich in New York eine LLC gegründet. Die Modebranche erfordert enorme Investitionen – rückblickend überrascht es mich nicht, dass das schiefging.

Der Neustart in Antwerpen hat sich für mich als sehr kraftvoll erwiesen. Ich wusste, dass ich einen Neuanfang brauchte, und kam mit nur zwei Koffern hierher. Die Stadt wurde zu einem sicheren kreativen Rückzugsort. Die Einsamkeit hier hilft mir, mich zu konzentrieren. Die Menschen sind freundlich, und dank digitaler Vernetzung kann ich international arbeiten. Deshalb kann ich mir gut vorstellen, langfristig hier zu bleiben.

Sie beschreiben Einsamkeit als etwas Positives, wieso?

Für mich bedeutet Einsamkeit nicht Traurigkeit. Ich wurde in der Schweiz geboren, lebte in Korea und später in New York – ich habe viele unterschiedliche Lebenswelten kennengelernt. Heute brauche ich diese Form der Abgeschiedenheit. Wenn ich keine Zeit für mich habe, fühle ich mich orientierungslos. Diese bewussten Pausen helfen mir, bei mir selbst zu bleiben.

In den Anfangsjahren Ihres Labels haben Sie viel Zeit in Japan verbracht...

Meine Bewunderung für japanische Designer:innen der 1980er- und 1990er-Jahre führte mich mit Anfang zwanzig nach Japan. Ich wollte verstehen, woher diese außergewöhnlichen Stücke kamen und wer sie herstellte. Besonders die Färbetechniken dort sind auf einem anderen Niveau – die Farbtöne besitzen eine ganz eigene Qualität.

Über fast neun Jahre hinweg habe ich enge Beziehungen zu Produktions- und Beschaffungspartnern aufgebaut. Mein Publikum schätzt die Ästhetik und Qualität dieser Ära und erwartet genau diesen Standard.

Darüber hinaus habe ich viel von der japanischen Arbeitsweise gelernt: Disziplin, Präzision und langfristiges Denken. Meine Partner dort denken nicht nur an das aktuelle Projekt, sondern auch an meine Entwicklung als Designerin. Dennoch muss ich mit dem Wachstum der Marke auch in Europa neue Produktionspartner finden.

Ihre Zusammenarbeit mit Yohji Yamamoto wirkt ästhetisch wie eine natürliche Verbindung. Wie kam sie zustande?

Ich war 23 Jahre alt, als wir uns kennenlernten. Für eine so etablierte Marke war es eine außergewöhnlich großzügige Geste, einer jungen Designerin eine Chance zu geben. Allein daraus habe ich viel gelernt.

Damals lebte ich in New York und trug Yamamotos Kleidung. Ein Mitglied seines Teams wurde auf mich aufmerksam und stellte den Kontakt zum Direktor her. Er fragte mich, ob ich jemals eine Show in Paris besucht hätte. Ich verneinte, da ich zu dieser Zeit noch an der Parsons studierte.

Trotzdem beschloss ich spontan, nach Paris zu fliegen. Das Ticket kostete mich 3.000 US-Dollar, und gleich am ersten Tag wurde mir mein Pass gestohlen. Es war chaotisch, aber ich musste einfach hin.

Im Yamamoto-Team herrscht ein außergewöhnlicher Zusammenhalt. Alle arbeiten mit derselben Konzentration und Zielstrebigkeit. Obwohl unsere Arbeit stark von Emotionen geprägt ist, schaffen sie es, die Dinge konsequent umzusetzen.

Inzwischen arbeiten Sie an Wildside Volume 5. Wie läuft der kreative Prozess ab?

Das Projekt bringt aufstrebende und etablierte Marken sowie Künstler:innen zusammen. Wir treffen uns sowohl in Paris als auch in Japan. Der Prozess ist lang und komplex. Schnittmuster, Stoffe und Prototypen werden ständig zwischen den Standorten hin- und hergeschickt. Die Kommunikation läuft überwiegend per E-Mail. Es ist anspruchsvoll, aber genau so funktioniert unsere Zusammenarbeit.

Die Arbeit hat sich im Laufe der Jahre verändert. Sie ist deutlich intensiver geworden, weil sich die Branche immer schneller bewegt. Urlaub gibt es praktisch nicht mehr. Ich kann mich kaum erinnern, wann ich zuletzt wirklich frei hatte. Trotzdem bin ich glücklich.

Sie haben später in Ihrer Karriere, im Jahr 2022, einen Master-Abschluss in Bildender Kunst an der Königlichen Akademie der Schönen Künste erworben. Warum der Wechsel in die Kunst?

Der Grund, warum ich mit bildender Kunst anfing, war kreative Stagnation. Nebenbei bin ich ein Foto-Freak. Mein Fotografie-Mentor empfahl mir eine Nikon ZF-C. Seitdem habe ich fast jede Woche ein Foto von mir gemacht. Dann begann ich, auf Kleidung zu drucken. Ich musste letztes Jahr nach Japan reisen, um herauszufinden, wie man das macht. Ich musste lernen, wie hitzeempfindlich es ist und wie man das Textil danach wäscht. Durch die bildende Kunst konnte ich mein Handwerk weiterentwickeln.

Was werden Sie auf dem Modefestival in Antwerpen zeigen?

Sie werden meine originalen Siebdrucke neben Kleidungsstücken mit denselben Porträts sehen. Die Ausstellung findet in der Galerie für zeitgenössische Kunst von Tommy Simoens im historischen Zentrum statt. Er kommt ebenfalls aus New York. Als wir uns letztes Jahr trafen, haben wir uns sofort verstanden.

Meine erste Serie von Druckproduktionen geht auf das Jahr 2023 zurück. Ich habe diese Technik über zwei Jahre entwickelt. Ich habe mit einem Künstler in Japan zusammengearbeitet – er ist 63 Jahre alt und außerordentlich professionell. Ich gab ihm meine Serie von Selbstporträts, er retuschierte sie, und dann druckte ich sie im Siebdruckverfahren. Ich habe auch das Papier gefärbt, damit es wie ein Druck aus den 1920er bis 1940er Jahren der Showa-Zeit in Japan aussieht, was meine Lieblingsepoche ist.

Sie haben die Dreißig überschritten. Was haben Sie über Ihr Handwerk und Ihren Beruf gelernt?

Ich habe gelernt, wie wichtig es ist, Menschen zu haben, die mich anregen. Egal, ob sie mich wütend machen, mich mit Selbstvertrauen verletzen, mich traurig machen oder mich sogar dazu bringen, mich selbst in Frage zu stellen. Nur so wird man hungrig auf den nächsten Schritt. Ich habe mein Umfeld so verändert, dass es voller Menschen ist, die ich bewundere.

Danach wurde mir klar, wie wichtig Effizienz ist. Nicht viele Menschen können diesen Lebensstil ertragen. Deshalb habe ich mein Kuchensystem erfunden. Das war, nachdem ich 30 wurde, nachdem ich so viele Misserfolge erlebt hatte und einige meiner Freunde mich auch verlassen hatten. Ich brauchte einen Weg, um zu überleben.

Ich teile meinen Tag in ein Kuchendiagramm ein: Ich beginne mit den realistischsten Dingen – den Zahlen, Finanzen und Ergebnissen. Die Realität zuerst. Im mittleren Teil übe ich Fähigkeiten: Sprachen, neue Techniken und etwas zum Lernen. Danach erlaube ich mir, über etwas Unmögliches nachzudenken – Brainstorming, kreative Dinge, die noch nicht realistisch sind.

Ich bereite mein Kuchendiagramm während des Cardiotrainings vor. Ich wache jeden Tag um 5 Uhr morgens auf, gehe direkt ins Fitnessstudio und entscheide, was ich den ganzen Tag über tun muss. Ich gehe auch sehr früh schlafen.

Warum ist es Ihnen wichtig, sich zuerst der Realität zu stellen?

Mode ist keine Kunst – sie ist ein kalkuliertes Geschäft, und wir Designer:innen müssen verkaufen. In den 80er Jahren war das, glaube ich, anders. Spirituell war Mode etwas anderes. Ich glaube, dass Kunst und Mode koexistieren können. Aber wir müssen mit der Realität leben, dass Luxus und Kunst auch Geschäfte sind. Sonst polarisieren sie sich.

Ist ein Abschluss in Mode angesichts des hohen Drucks, der heutzutage auf dem Beruf lastet, noch ausreichend?

Ich habe meinen Bachelor in Mode an der Parsons in New York gemacht. Es war ein großartiger Kurs – sie bringen einem bei, wie man seinen Lebenslauf schreibt und einen Job bekommt. Ich habe Interviews mit europäischen Modestudierenden gesehen, die sehr gut über sich selbst sprechen konnten. Es fühlte sich reflektierter an, und das wollte ich erleben. Deshalb bin ich an die Akademie gegangen.

Für drei Jahre habe ich viel Zeit damit verbracht, über Surrealismus und Dadaismus zu schreiben, was mein Schwerpunkt war. Meine Sprache hat sich verändert. Ich habe gelernt, über mich selbst zu sprechen – und das ist sehr wichtig.

Wie planen Sie, kontinuierlich zu lernen?

Ich möchte die Forschung vertiefen, auf die ich mich bereits konzentriert habe. Ich werde wieder Siebdruck üben – das fühlt sich für mich wie eine Doktorarbeit an. Ich lerne neue Techniken, schaffe neue Dinge und kann die Arbeit meinem Publikum über Instagram zeigen. Das betrachte ich im Moment als meine Schule des Lernens. Ich bin sicher, dass ich irgendwann wieder feststecken werde. Dann werde ich eine Promotion in Betracht ziehen.