Haute Couture 2026: Zwischen Handwerk und Besinnung
Welche Rolle spielen Couture-Kollektionen 2026? Mit dieser Frage schienen sich die Designer:innen in dieser Haute-Couture-Saison auseinanderzusetzen. Couture bleibt der Gipfel des Luxus, doch in einer Welt im Wandel haben die letzten Saisons ihre prunkvollen Kreationen manchmal eher zu einem Eitelkeitsprojekt als zu tragbarer Mode gemacht.
In dieser Saison erinnerten jedoch einige Stimmen, sowohl neue als auch etablierte, das Publikum daran, den Fokus wieder auf die Kleidung selbst zu legen. Gleichzeitig luden sie zu einem Gefühl des Fantastischen ein.
Eine neue Perspektive
Eine Rückkehr zur Kleidung bedeutete jedoch keinen Verlust an Pracht. Nur wenige Tage, nachdem sich die Modewelt von Valentino Garavani verabschiedet hatte, präsentierte Kreativdirektor Alessandro Michele seine zweite Couture-Kollektion für das römische Modehaus Valentino. Der Eröffnungslook der Kollektion mit dem Titel ‘Specula Mundi’ war ein tief ausgeschnittenes Kleid in leuchtendem Purpurrot. Es war eine klare Hommage an Valentino und seinen ikonischen Karminrotton, den er erstmals 1959 in seiner Debütkollektion vorstellte. Doch es waren nicht nur die Kleidungsstücke, die den Ton angaben. Es war die Art und Weise, wie sie präsentiert wurden, die einen Wandel in der Wahrnehmung von Couture signalisierte.
Auf einem Kleiderbügel betrachtet, wären Micheles Kleider eine Mischung aus dem Glamour der 1920er und 1970er Jahre. Es waren Roben, die sowohl für Showgirls als auch für Exzentriker:innen geeignet sind. Aber die Präsentation selbst veränderte das Erlebnis. Die Kollektion wurde nicht auf einem Laufsteg gezeigt. Stattdessen wurde sie durch zwölf Kaiserpanoramen präsentiert, was das Publikum zwang, jede Kreation durch einzelne Gucklöcher zu betrachten.
„Das Bild überwältigt den Betrachter noch nicht; es erzieht ihn. Es lehrt einen, still zu bleiben, den Blick zu fokussieren und eine auf Aufmerksamkeit basierende Haltung einzunehmen“, schrieb Michele in den begleitenden Show-Notizen.
Im Grunde lehrte Michele sein Publikum, zu entschleunigen, präsent zu sein und sich auf die Kleidungsstücke zu konzentrieren, anstatt auf die Handybildschirme, die heute die meisten Modenschauen dominieren. Das macht den Titel der Kollektion, ‘Spiegel der Welt’, umso ergreifender. Michele lenkt die Aufmerksamkeit sowohl auf die Kleidung als auch auf die Welt der Couture selbst, die Instabilität traditionell ignoriert, anstatt darauf zu reagieren. Im Fall der Valentino Couture wird diese Welt hinter kleinen quadratischen Fenstern bewahrt und bietet nur den Auserwählten einen fokussierten Blick auf ihre Pracht.
Durch dieses bewusste Zusammenspiel von Kleidung und Präsentation zeigt Michele, dass die Relevanz der Couture im Jahr 2026 nicht allein im Spektakel liegt. Sie liegt vielmehr in ihrer Fähigkeit, Aufmerksamkeit zu erregen, Kontemplation zu kultivieren und die Welt daran zu erinnern, dass Mode auf ihrem Höhepunkt dazu bestimmt ist, sowohl gesehen als auch genossen zu werden.
Couture als Gegenmittel?
Die Schrecken in der Welt halten an, aber irgendwie auch Daniel Roseberrys fantastische Vision von Mode. In einem Nachrichtenzyklus, der selbst die Abgehärtetsten unter uns nach einer Flucht sehnen lässt, bot der Designer genau das: eine vorübergehende Aussetzung der Realität. Etwas so kompromisslos fantasievolles, dass es fast unwahrscheinlich wirkte. Auf den ersten Blick mag dies im Widerspruch zur Vorstellung stehen, dass die Couture zu ‘echter’ Kleidung zurückkehrt, denn diese Kleidungsstücke waren alles andere als real. Doch ihr Zweck, ihr eigentlicher Existenzgrund, war fest in der Gegenwart verankert. Roseberry schlug vor, dass die Couture im Jahr 2026 die Realität nicht widerspiegeln muss. Sie könnte aber darauf reagieren, indem sie den Wert der Schönheit in einer Zeit bekräftigt, in der die Welt zunehmend düster erscheint.
Für die Haute-Couture-Kollektion Frühjahr/Sommer 2026 des französischen Modehauses Schiaparelli mit dem Titel ‘The Agony and the Ecstasy’ wandte sich Roseberry der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo zu. Er nutzte sie nicht als wörtliche narrative Quelle, sondern als emotionale. Anstatt Fresken in Kleidungsstücke zu übersetzen, versuchte er, die tiefgreifenden Empfindungen einzufangen, die sie hervorrufen: Ehrfurcht, Verletzlichkeit, Spannung und Transzendenz. Dieser Ansatz bestimmte den Herzschlag der Kollektion: Couture nicht als wörtliches Geschichtenerzählen, sondern als Einladung, Empfindungen zu erleben, anstatt Symbolik zu entschlüsseln.
Diese Philosophie manifestierte sich in einer Reihe von reptilien- und spinnenartigen Merkmalen. Skorpionschwänze, Schlangenzähne und chimärenähnliche Silhouetten wurden in explosiven, der Schwerkraft trotzenden Formen dargestellt. Diese Kreationen balancierten außergewöhnliche technische Strenge mit einem Gefühl hemmungsloser Fantasie. Es waren Kleidungsstücke, die in ihrem Übermaß lebendig wirkten. Hier war Fantasie kein Eskapismus um seiner selbst willen, sondern eine bewusste Strategie. Sie war eine Erinnerung daran, dass Handwerk und Kreativität, bis an ihre Grenzen getrieben, in einer übersättigten visuellen Kultur immer noch Emotionen hervorrufen können.
Es ist daher nicht weit hergeholt anzunehmen, dass Roseberrys Kollektion nie primär zum Verkauf gedacht war, sondern zur Inspiration. In einer Zeit, in der sowohl Couture als auch Ready-to-wear zunehmend kommerzielle Klarheit über narrative Ambitionen stellen, war ‘The Agony and the Ecstasy’ ein leiser Widerspruch. Ihre Relevanz lag nicht in der Tragbarkeit, sondern in der Absicht.
Neue Couture
Und dann waren da die Neulinge, Jonathan Anderson und Mathieu Blazy. Sie zeigten jeweils ihre ersten Couture-Kollektionen für das französische Modehaus Dior beziehungsweise das französische Luxushaus Chanel. Es waren zwei der am meisten erwarteten Kollektionen der Saison und des Jahres. Doch wer ein sofortiges Spektakel suchte, dürfte überrascht gewesen sein. Obwohl völlig unterschiedlich, konzentrierten sich beide Visionen auf Kleidung, Handwerk und sorgfältige Liebe zum Detail.
Das soll nicht heißen, dass Magie oder Poesie fehlten. Davon gab es reichlich, ebenso wie Ausflüge in die Natur, aber vor allem gab es Leichtigkeit. Bei Dior zeigte sich dies in einem blumengeschmückten Veranstaltungsort, der Vergleiche mit Raf Simons' eigenem Couture-Debüt nahelegte, bevor Flora und Fauna auf den Laufsteg selbst wanderten. Die Kollektion spiegelte diese Atmosphäre wider. Voluminöse Tuniken aus zarten Federn schwebten über fließenden Seidenhosen, während Kaschmirpullover mühelos über eine Schulter auf kurzen Wickelkilts drapiert waren. Schmale Tanktops wurden mit Jacquard-Röcken kombiniert, deren Taillen in einer spielerischen Umkehrung des traditionellen Tournüres aufgebauscht waren und Eleganz mit Leichtigkeit verbanden. Selbst ein schmaler schwarzer Python-Mantel bot nur eine subtile Anspielung auf die geschrumpfte Bar-Silhouette, eine der wenigen offensichtlichen Referenzen an das Erbe von Dior.
Über die Kleidungsstücke hinaus waren Handtaschen zentral für Andersons Vision und schlugen eine Brücke zwischen kreativem Ausdruck und kommerzieller Strategie. Die Kollektion umfasste Schmuck aus Meteoriten und Taschen, die aus Textilien des 18. Jahrhunderts upgecycelt wurden. Sie boten den Kund:innen und der breiteren Öffentlichkeit neue Wege, sich mit der sorgfältigen Handwerkskunst im Herzen des Hauses auseinanderzusetzen. Im Gespräch mit The Business of Fashion vor seiner ersten Couture-Präsentation betonte Anderson, dass die Dior-Couture existiert, um Fähigkeiten zu bewahren, die sonst verloren gehen könnten. Diese Verantwortung prägt weiterhin seinen Ansatz und verdeutlicht den bleibenden Wert der Couture im Jahr 2026.
Ein Wert, den sowohl Dior als auch Chanel eindeutig teilen, ist die Hingabe zum Handwerk, ähnlich den Naturmotiven, die beide Veranstaltungsorte umrahmten. Wie Blazy in seinen Show-Notizen anmerkte: „Die Haute Couture ist die Seele von Chanel. Sie ist das Fundament und der volle Ausdruck des Hauses.“ Dennoch entschied er sich für sein Debüt für Verspieltheit statt Realismus, zumindest was das Bühnenbild betraf. Das Grand Palais wurde in einen Wald aus übergroßen Pilzen auf einem blassrosa Teppich verwandelt, begleitet zunächst von Walt Disneys Dornröschen und endete unerwartet mit Oasis' „Wonderwall“.
Wer fantastische, prinzessinnenhafte Roben erwartete, wurde mit einer zurückhaltenderen Realität konfrontiert. Die Eröffnungslooks waren dezent, doch die Kollektion erfüllte den wahren Zweck der Couture: die außergewöhnliche Fähigkeit eines Ateliers zu offenbaren, das zarte Stoffe in nahezu stille Meisterwerke verwandeln kann. Blazy eröffnete mit einer Neuinterpretation des klassischen Chanel-Tweed-Anzugs aus nudefarbenem Chiffon. Dessen durchsichtige Schichten wurden kaum von feinen Ketten und Perlen gehalten, wodurch vertraute Merkmale entfernt und Details eingeführt wurden, die eindeutig von Blazy selbst stammten. Tanktops und Jeans erschienen in Trompe-l'œil-Organza, eine Anspielung auf seine Arbeit bei Bottega Veneta, während Fransen und Federn die Kollektion unterbrachen und technische Virtuosität mit verspielter Eleganz verbanden.
In einer Zeit, die von sofortigen Social-Media-Reaktionen dominiert wird, in der eine Show innerhalb von Minuten als „langweilig“ beurteilt werden kann, ist es leicht, Subtilität zu übersehen. Couture muss nicht überwältigen oder blenden, um ihren Platz zu rechtfertigen. Ihre Bedeutung liegt oft in der stillen Komplexität, der Präzision der Technik und Innovationen, die sich erst durch sorgfältige Aufmerksamkeit und wiederholtes Betrachten offenbaren. Diese Qualitäten bleiben auch 2026 zentral für ihren Zweck.
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