Realist:innen und Träumende konkurrieren auf der Haute Couture Woche in Paris

Haute Couture und ihre oft pompösen Exzesse ziehen gelegentlich Spott auf sich, vor allem in Zeiten, in denen die Arbeit der Couturiers weit von der Realität vieler Menschen entfernt ist. Vieles von dem, was heutzutage auf den Couture-Wochen gezeigt wird, mit den prominent besetzten Front Rows, die akribisch dokumentiert und von Millionen in den sozialen Medien geteilt werden, gleicht teils einem Spektakel ohne Substanz.

Dabei wird leicht vergessen, dass die oft überdimensionalen Kleider, deren Herstellung Hunderte von Stunden in Anspruch nimmt, letztlich die wenigen Kund:innen ansprechen sollen, die sie sich diese auch leisten können. Während die wenigen Auserwählten, die sich besagte Kleider im fünfstelligen Bereich überhaupt erlauben können, von dem verführt werden müssen, was sie auf den Laufstegen sehen, und in der Lage sein müssen, die Kreationen zu tragen, ist der Rest der Welt zumindest zum Träumen eingeladen - und in dieser Saison haben sich einige Designer:innen an große Träume gewagt.

Realitäten und Träume, die in den Archiven verwurzelt sind

Bei Dior hat Kreativdirektorin Maria Grazia Chiuri ein Gleichgewicht zwischen den beiden Extremen der Saison gefunden, nicht ganz träumerisch, aber auch nicht ganz in der Realität der meisten Menschen verwurzelt. Für diejenigen, die Couture mit einer "Je größer, desto besser"-Mentalität assoziieren, mag die Kollektion ein wenig dürftig ausgefallen sein, das soll allerdings nicht heißen, dass die erste Hälfte von Diors Couture-Kollektion, in der der Designer sowohl einfarbige Baumwolle als auch Moiré-Stoffe ausprobierte, enttäuschend war. Allerdings war die Kollektion von einem Gefühl der Zurückhaltung geprägt, das für die Haute Couture äußerst ungewöhnlich ist – auch wenn es sich dabei um eine Neuinterpretation von Christian Diors La Cigal-Kleid aus dem Jahr 1952 handelte.

Auch Pierpaolo Piccioli führte die Haute Couture mit seiner Frühjahrskollektion 2024, die passenderweise den Titel "Le Salon" trug, zu ihren Ursprüngen zurück. Die Models schlenderten durch Räume, die mit einer einzigen Sitzreihe geschmückt waren, die an die Couture-Schauen der Vergangenheit erinnerte. Es schien, als würde der italienische Designer seine Version der Zurückhaltung praktizieren.

In der Welt von Valentino bedeutet das immer noch viel Volumen und Farbe, auch wenn das viel geliebte PP-Pink und Valentino-Rot zugunsten von Aqua-, Arktisblau-, Hellgrau-, Pastellgrün- und Chartreuse-Farbtönen in den Hintergrund trat. Tageskleidung, wie ein Anorak, wurde sparsam in die Kollektion eingestreut und erhielt dennoch einen Couture-ähnlichen Look, nicht zuletzt durch die Gegenüberstellung mit großen Ballkleider-Röcken und außergewöhnlichem Volumen. Während es auf dem Laufsteg viel Neues gab und eine mühelose Couture-Kollektion präsentiert wurde, die ein Fest für die Augen war, war diese im Vergleich zu seinen Couturier-Kollegen – und seinen eigenen früheren Erkundungen – in der Realität verankert.

Couture ist normalerweise nicht die Realität für Simone Rocha, die sich zum ersten Mal als Gast bei Jean Paul Gaultier in die höchsten Ränge der Mode wagte. Dort schuf die irische Designerin einen Dialog zwischen ihrer eigenen verdrehten, sinnlichen Sicht auf die Mädchenwelt und Gaultiers Erbe. Kylie Jenner, die ein Stück der Kollektion in der ersten Reihe trug, mag die meiste Aufmerksamkeit der Menschen in den sozialen Medien auf sich gezogen haben, aber ein genauerer Blick auf die Kollektion ist ebenso fesselnd, wenn nicht sogar noch fesselnder.

Jedes unverwechselbare Element des charakteristischen Stils von Jean Paul Gaultier fand seinen Platz: Konen-BHs verwandelten sich in dornige Rosen, Breton Tops wurden mit Schleifen verziert und Lagen über Lagen von Tüll und Satin wurden kunstvoll kombiniert, um den Körper der Models sowohl zu verbergen als auch zu enthüllen. Das Couture-Debüt von Rochas fühlte sich in vielerlei Hinsicht wie ein Fiebertraum der Mädchenwelt an, mit ihrer Unschuld, ihrer Wut und ihrer Kraft – alles fein säuberlich in einer dezenten Schleife verpackt.

Irgendwo zwischen Fiebertraum, Albtraum und kreativem Genie lag das Couture-Alien-Baby, das zur diesjährigen Sensation bei Schiaparelli wurde. Natürlich wäre es keine Schiaparelli-Show, wenn Kreativdirektor Daniel Roseberry nicht wie ein verrückter Hutmacher den neuesten viralen Mode-Moment aus dem Hut zaubern würde. Allerdings war die diesjährige Version ein wenig zurückhaltender als die hyperrealistischen Löwenköpfe der vergangenen Saisons. Teilweise inspiriert von seinen US-amerikanischen Wurzeln, von der Gründerin des Labels, Elsa Schiaparelli, und ihrem Onkel Giovanni sowie von Regisseur Ridley Scotts Film Alien aus dem Jahr 1979, kreierte Roseberry eine Kollektion, die eine surreale Mischung aus Marsmenschen, Cowboys und - wenn man alle Ablenkungen für einen Moment beiseite lässt - fast strengen, aber sicherlich luxuriöser Abendgarderobe und Kleidern mit futuristischem Charme war.

Ähnliches gab es auch von Kim Jones bei Fendi zu sehen. Jones nannte den ehemaligen Fendi-Designer Karl Lagerfeld als Inspirationsquelle für seine futuristische Auffassung von Couture, die sich vor allem auf Einfachheit, organische Geometrie und technische Präzision konzentrierte.

Technische Präzision, oder vielmehr technische Perfektion, war bei Alaïa zu sehen. Die Frühjahr/Herbst-Kollektion 2024 der Marke war eigentlich nicht als Couture-Kollektion gedacht, wurde aber dennoch zu einer Meisterklasse der tragbaren Couture. Die Kollektion und ihr Ausgangspunkt, ein einziges Garn aus Merinowolle und die Idee eines Kreises, wurden in Kleidungsstücke mit triumphalen Texturen und unmöglichen Formen verwandelt, die dennoch Schlichtheit und Sexappeal ausstrahlten. Gleichzeitig stellte sich die Frage, wie manche Kleidungsstücke überhaupt so am Körper eines Models drapiert werden können. Die Antwort, im Falle eines spiralförmigen Kleides, das einem Schnapparmband ähnelte, war eine besondere Art des 3D-Drucks.

Der gefallene Träumer der Mode ist wieder in Form

Eine viel schwierigere und vielleicht unmöglich zu beantwortende Frage ist die nach der Figur von John Galliano für Maison Margiela. Galliano ist längst aus dem Schatten des Gründers des Hauses, Martin Margiela, herausgetreten, und seine Couture-Kollektion für das Frühjahr 2024 zeigte seine einzigartige kreative Stimme. Die Stimme, die ihn in den 90er Jahren zu einem der meist gelobten Designer machte, und eine Stimme, die für den Großteil der Modewelt lauter zu sein scheint als alle früheren Vorbehalte und Skandale. Für seine jüngste Margiela-Kollektion lud der britische Designer die Gäste in ein Gewölbe unter der Brücke Pont Alexandre III ein, um die Illusion eines verfallenden Nachtclubs zu erwecken und damit schon vor Beginn der Show Erinnerungen an seine glorreichen Tage bei Dior wachgerufen. Tage, auf die in Modeschulen und auf Moodboards immer noch so oft verwiesen wird.

Es war nicht nötig, einen Blick auf die Kollektion zu werfen, um zu verstehen, dass Galliano das, was einst den Kern seines Mode Theaters ausmachte, wieder ausgrub. Der Laufsteg war seine Bühne und die Models seine Schauspieler, die seine romantischen, erotischen und oft auch historischen Phantasien zum Leben erweckten. Die Kollektion selbst war meisterhaft: von extremer Korsage, die den Körper modifizierte und veränderte, bis hin zu zarten Spitzenkleidern, die an der Grenze zwischen Erotik und Unschuld schwankten, und, was vielleicht am wichtigsten ist, zum ersten Mal, seit er 2014 das Ruder bei Margiela übernommen hat, zeigte er absolut keine Zurückhaltung. Galliano präsentierte der Mode eine der konzeptionellsten und zweifellos emotionsgeladensten Couture Show der letzten zehn Jahre. Für das berüchtigtste, komplizierteste und scheinbar vergebene "Enfant terrible" der Mode war es eine Rückkehr zur Form, als er eine Kollektion vorstellte, die groß träumte und sicher andere dazu inspirieren wird, seinem Beispiel zu folgen.