Wie die Paris Fashion Week das Produkt über die Viralität stellte

Eingebettet in eine Blase frühlingshafter Frische bot die Paris Fashion Week Herbst/Winter 2026 eine Parallelwelt. Während die Medien mit Bildern von israelisch-amerikanischen Angriffen im Iran gefüllt waren, zeigten die Laufstege eine andere Realität – eine, die entschlossen war, Begehren zu wecken. Angesichts der Gewalt des Krieges und seiner wirtschaftlichen Auswirkungen gaben die Marken das Streben nach Viralität auf. Sie konzentrierten sich stattdessen auf das Wesentliche: die ureigene Stärke des Produkts.

Variationen der Parisienne

Das Bild der Parisienne ist in Krisenzeiten eine sichere Bank – aber nicht nur dann. Es ist ein charmanter Trumpf mit unerschöpflicher kommerzieller Kraft für Modemarken, unabhängig davon, ob sie aus Frankreich stammen oder nicht.

Um an seine Wurzeln und die Verbindung zur Parisienne zu erinnern, stellte die französische Marke Courrèges die Identität der Hauptstadt in den Mittelpunkt ihrer Kollektion. Die Hommage war offensichtlich: Metro-Tickets waren auf ein Bustierkleid gestickt. Sie erstreckte sich auch auf eine Garderobe, die für das Stadtleben entworfen wurde.

Nicolas Di Felice schuf nicht nur „Image-Looks“. Er befasste sich auch mit praktischen Fragen und wollte Frauen von morgens bis abends kleiden. Zu den bemerkenswerten Stücken gehörten Hosen mit Druckknöpfen, die sich bis zum Oberschenkel öffnen lassen und so einen Stilwechsel im Laufe des Tages ermöglichen. Außerdem gab es Reißverschlussstücke, die auf vielfältige Weise getragen werden können

Weitere durchdachte Elemente der Kollektion waren Oberteile mit Öffnungen im Nacken, durch die das Haar geführt werden kann. Die neue Tasche „Shadow“ bestand aus einem Stretchmaterial. Ihre Subtilität enthüllte auf sinnliche Weise die darin befindlichen Gegenstände.

In der ruhigen Umgebung der Bibliothèque Nationale de France griff auch die koreanische Marke Time, die ihr Debüt im Pariser Kalender feierte, die Figur der Parisienne auf. Die klassisch anmutende Garderobe spricht jene an, die frieren und sich bis zum Kinn einhüllen möchten.

Mehrere Mäntel waren besonders bemerkenswert. Ihr schicker Reiz wurde durch die Bewegung von schalartigen Tüchern verstärkt, die am Kragen befestigt waren. Kragen spielten eine zentrale Rolle und fungierten sowohl als praktisches als auch als elegantes Accessoire. Sie erschienen in Form eines Bandanas, das an eine Lederjacke geknöpft war, oder wurden hoch unter dem Kinn mit einem Reißverschluss geschlossen und über einen Jackenkragen gelegt.

Bei Burc Akyol reichten die Kragen ebenfalls sehr hoch. Der französische Couturier türkischer Herkunft präsentierte jedoch sinnlichere Kleidungsstücke. Zu den Highlights gehörte ein Körper, der in ein schwarzes Vinylkleid geformt oder in einen Blazer gekleidet war, der wie ein kurzes Kleid über den Unterbauch gefaltet wurde.

„Sexy“ ist auch das Adjektiv, das die Show von Haider Ackermann für Tom Ford beschreibt. Die Kollektion konzentriert sich vor allem auf Schneiderkunst und richtet sich eher an einkommensstarke Berufstätige – die Kernkundschaft des Hauses – als an die Gen Z. Frauen tragen Lederhandschuhe, Bleistiftröcke, Nadelstreifenanzüge und transparente Vinylröcke. Ein erotischer Geist, der an den Stil von Tom Fords langjähriger Muse Carine Roitfeld erinnert – ehemalige Chefredakteurin der Vogue Paris und Verkörperung eines bestimmten Pariser Archetyps.

In einer lässigeren Variante zeigte sich der Charme der Parisienne bei der Chanel-Show, wo Matthieu Blazy seine Neuerfindung des ikonischen Kostüms fortsetzte. Besonders einprägsam waren die schillernden und farbenfrohen Materialien der Anzüge.

Mit einem Hauch von Humor

Ein Hang zur Fantasie zog sich ebenfalls durch die Kollektionen für nächsten Winter. Bei Schiaparelli wich die Feierlichkeit der Drapierungen verblüffend wirkungsvollen Trompe-l’œil-Felleffekten. Der Surrealismus zeigte sich sogar in den Details: Eine Harzschnecke kroch über Kreolen, während eine kleine Tasche auf ihren goldenen, hühnerähnlichen Beinen davonzulaufen schien. Das erinnerte an die Traumlandschaften von Studio Ghibli.

Auch Loewe spielte mit Humor. Die Show, die erstmals Silhouetten für Männer und Frauen präsentierte, verlieh zweckmäßigen Stücken eine verspielte Note. Zu den Highlights gehörten große, farbenfrohe Parkas, die den aufblasbaren Effekt einer Boje nachahmten. Außerdem gab es Tauchschuhe, die als Straßenschuhe getragen wurden, sowie farbenfrohe Latex-Slip-Kleider.

Knallige Farben tauchten auch in der Show der belgischen Designerin Marie Adam-Leenaerdt auf. Ein intensiv pinkes Kleid wirkte wie die Erwachsenenversion eines Kinder-Prinzessinnenkostüms. Zu den einprägsamsten Elementen der Show gehörten ihre neu interpretierten „Torten-Taschen“, seidige Jogging-Sets und ein auffälliger, wendbarer Oversize-Mantel – auf der einen Seite in Paris-Hilton-Pink, auf der anderen aus Kunstpelz.

Auch bei Julie Kegels war ein kostümartiger Geist spürbar. Superheldenmasken auf den Gesichtern der Models deuteten an, dass Kleidung Superkräfte verleihen kann. Die Kollektion war eine Einladung, Kindheitswünsche wiederzuentdecken: ein Superheldenumhang, eine übergroße Jacke oder eine andere mit rosafarbenem Steppfutter, das an die Tagesdecken unserer Großmütter erinnerte.

Nach einer sehr unterhaltsamen, aber umstrittenen Show für Frühjahr/Sommer 2026 wählte Duran Lantink, der Kreativdirektor von Jean Paul Gaultier, einen nüchterneren Ansatz. Er ließ sich stärker vom kommerziellen Gespür leiten. Der Designer wandte sich von Trompe-l’œil-Nacktkörpern ab und setzte auf seriöse Schneiderkunst. Eine klassische Nadelstreifenhose fiel durch ihr subtiles, tonales Spiel mit der darüber getragenen, kaum sichtbaren Unterwäsche auf.

Starke Stücke, die in einer gewissen Realität verankert sind

Unter der Leitung von Jonathan Anderson präsentierte das französische Modehaus Dior eine Garderobe von unglaublichem Luxus, durchdrungen von einer entschieden aristokratischen Eleganz. Frauen wurden durch Tournürenröcke, Chantilly-Spitze und metallische Jacquard-Jacken in Szene gesetzt. Diese Stücke besaßen eine magnetische Präsenz, die alle Blicke auf sich ziehen sollte. Weit davon entfernt, bloße Objekte der Begierde zu sein, beeinflussen diese extravaganten Silhouetten den gesamten Markt. Noch lange nach dem Ende der Show hinterlassen die Opulenz der Rüschenröcke und die Majestät der langen Schleppen einen bleibenden Eindruck.

Ein ähnliches Vokabular des 18. Jahrhunderts war bei Alain Paul zu sehen. Wie mehrere andere Marken fügte der Designer den Hüften Volumen durch Drapierungen hinzu. Diese erinnerten an den jüngsten Einfluss der Arbeit von Pieter Mulier bei Alaïa. Die Stücke sind für Tage gedacht, an denen man schick sein will. Sie sind nicht empfindlich und können auch zerknittert werden. Ein weißes Hemd wurde zerknittert präsentiert, ohne deplatziert zu wirken, während die kompakte Wolle eines langen Bustierkleides ihm ein sehr solides Aussehen verlieh.

Bei Alaïa zeigte Pieter Muliers neueste Show eine I-Linien-Silhouette. Sie betonte lange, figurbetonte Kleider, manchmal mit Taschen, sehr zur Freude der Frauen. Dieses Angebot war ebenso tragbar wie meisterhaft ausgeführt und wird, wie Dior, die kommende Saison weiterhin beeinflussen.

Miu Miu, derzeit die begehrteste Marke, beendete die Paris Fashion Week mit einer Kollektion, die das Gewöhnliche durch eine Ästhetik des ‚Vorgetragenen‘ aufwertete. Mit zerknitterten Kleidern, gefilzten Strickjacken und patiniertem Leder verkörperte die Kollektion einen rohen Realismus. Die einprägsamsten Stücke waren die charakteristischen Minikleider des Hauses. Junge Frauen werden sich zweifellos beeilen, diese auf Secondhand-Modeplattformen zu finden.

Die Show von Cecilie Bahnsen war eine der wenigen, die eine Besetzung mit unterschiedlichen Körpertypen zeigte. Diese kluge Wahl spiegelte sich in einer Kollektion wider, die der DNA der Marke treu blieb: zarte Blumenmuster und luftige Volumen. Dieses Mal ging jedoch eine gewisse Robustheit von den Silhouetten aus. Dies lag wahrscheinlich an der Integration von Sportswear-Elementen aus der Zusammenarbeit mit The North Face.

Details, die den Unterschied machen

Am letzten Tag der Fashion Week lieferte der Riese Louis Vuitton eine überraschende Kollektion. Abgesehen von den Eröffnungslooks mit Schultern, die den höchsten Alpengipfeln würdig waren (das Thema der Show), war die Weichheit eines grauen kurzärmeligen Oberteils besonders einprägsam. Eine flauschige Daune war in den Strick eingearbeitet.

Bei Givenchy enthielt die wunderschöne, von Sarah Burton entworfene Kollektion ein ungewöhnliches und cleveres Accessoire: eine Kopfbedeckung aus einem T-Shirt. „Diese Kopfbedeckungen sind die natürlichste Art, das Haar zu bedecken“, erklärten die Show-Notizen.

Bei Chloé war es neben den extra-voluminösen Musselinkleidern ein Haar-Accessoire, das die meisten Blicke auf sich zog. Das kleine goldene Accessoire war um langes, offenes Haar gedreht. Es spiegelte den folkloristischen Geist einer Kollektion wider, die im Maison de l'UNESCO präsentiert wurde.

Für seine zweite Kollektion bei Mugler wählte Miguel Castro Freitas einen kühnen Titel: ‚The Commander‘. In einer Kollektion, die sich um den Kriegskostüm der 1940er-Jahre drehte – ein geradliniges Kostüm –, wurde der Blick auf die Art-déco-Geometrie eines Juwels gelenkt, das auf dem Rumpf eines Kleides eingelegt war.

„Etwas, das nicht ganz stimmt“, schrieb Michael Rider über die Kollektion, die er für Celine entwarf. Dieses „kleine Etwas, das nicht stimmt“ wurde brillant in einer Vielzahl von Details ausgedrückt, die erst bei genauerem Hinsehen der Silhouetten sichtbar wurden. Zum Beispiel erzeugte die Schichtung von zwei Kragen eine lustige Eigenart. Die Schuhe schienen noch mit einem schützenden Staubbeutel bedeckt zu sein. Große Schleifen um den Hals verbargen das halbe Gesicht und eine leichte Muschelkette wurde zu einem schicken Outfit getragen.

Während dieses Kapitel der Paris Fashion Week FW26 zu Ende geht, ist eine Schlussfolgerung klar: Angesichts der besonders schweren globalen Nachrichten hat sich die Luxuswelt entschieden, sich auf ihr Wesentliches zu konzentrieren. Es gab weniger Social-Media-Rummel und mehr Handwerkskunst. Ob es darum ging, das tägliche Leben der Parisienne aufzuwerten, eine Dosis Humor zu injizieren oder Stücke mit architektonischer Präsenz zu präsentieren, die Marken setzten auf die ureigene Begehrlichkeit des Kleidungsstücks.