Die Avantgarde-Designer, die die Grenzen der Mode neu ausloteten

’Konzeptuell’ und ‘avantgardistisch’ werden in der Mode oft gleichbedeutend benutzt, obwohl beide heute weniger verbreitet sind als früher. Sie beschreiben Kleidungsstücke, die Fragen aufwerfen und unsere Wahrnehmung von Kleidung erweitern. Die Designer solcher Stücke sind im Allgemeinen nicht an Massenproduktion, Skalierbarkeit, oder konventionellen Schönheitsstandards interessiert und konzentrieren sich stattdessen auf Dekonstruktion, alternative Materialien, Technologie und kreative Ausdrucksfreiheit. Zu schwer verständlich für 95 Prozent der Modekonsumenten, sind diese Kleider näher an Kunstwerken, die zufällig in Textilien verarbeitet werden, wenn auch nicht immer; im Allgemeinen fehlt es an konventioneller Gefälligkeit, aber sie machen sich großartig als Skulpturen; und sie finden ihren Weg in wichtige Museen und das Archiv rigoroser Sammler.

Die Ära der Radikalität

Eine radikale Ablehnung des Mainstreams ist der einzige Faden, der die großen konzeptionellen Designer vereint. Die Homogenität der Millennials mag ihr Strahlen verringert haben, aber nicht ihren Einfluss. Die Lethargie, die mit einer Gesellschaft einhergeht, die sich an schnelle Trends gewöhnt hat, deren Produktion dem Planeten schadet und das Gefühl für die Textilproduktion verantwortlich zu sein, tötet, hätte eine neue Avantgarde verhindern können. Aber die 80er und 90er Jahre begrüßten sie und ihr Ziel, internationale Laufstege als Plattformen zu nutzen, Futurismus und den Experimenten des Weltraumzeitalters der 1960er Jahre zu feiern und gleichzeitig von dieser stromlinienförmigen utilitaristischen Ästhetik zu einer Ästhetik überzugehen, die oft schwer zu tragen war. Diese Visionäre stammten hauptsächlich aus enggezogenen geografischen Gebieten oder von Schulen, die ein rebellisches Denken förderten. Während Frankreich mit seiner prestigeträchtigen Couture beschäftigt war, Italien mit seiner Generation von Glamour und Handwerk und die USA mit seinen Lifestyle-Marken, die einen Börsengang auf dem Weg zur Weltherrschaft anstreben, kümmerten sich drei weitere Nationen um die Avantgardemode - und die ganze Welt bemerkte es.

Man kann diese Modemacher mit Le Corbusier und Frank Lloyd Wright, oder Marcel Duchamp und Pablo Picasso, oder Claude Debussy und Björk vergleichen.

Wenn ich etwas tue, von dem ich denke, dass es neu ist, wird es missverstanden. Aber wenn es den Leuten gefällt, bin ich enttäuscht, weil ich sie nicht genug bedrängt habe. Je mehr Menschen es hassen, desto neuer ist es vielleicht. Denn das grundlegende menschliche Problem ist, dass die Menschen Angst vor Veränderungen haben.

Die Japaner

Die großen drei: Comme des Garçons, Yohji Yamamoto und Issey Miyake, nahmen 1981 die Pariser Modewoche in Beschlag, wurden aber zunächst von der Presse gemieden oder geschmäht, da sie kein Werbebudget hatten und die Tendenz hatten, alles in einer Palette von ausschließlich Schwarz anzubieten. Gemeine Schlagzeilen wie "Bag Lady Fashion", "Hiroshima Chic" und "Sayonara Japanese Fashion" folgten. Yamamoto beschrieb die Farbe Schwarz mit "Ich belästige dich nicht - belästige du mich nicht", was in etwa den unabhängigen Geist seiner Kollektionen zusammenfasst. Issey Miyake führte den Westen in Origami, flach gepacktes Design und von Technologie durchdrungene Kleidungsstücke ein, damit sie sich an seine Falten erinnern konnten. Rei Kawakubo, die Kleidung kreiert hat, die mit Beulen versehen war, mit Löchern perforiert, in bauschigen Schichten gestylt ist, Parfums eingeführt hat, die nach Beton, Teer und einer Garage rochen, und die das Einkaufserlebnis mit dem Dover Street Market revolutioniert hat, hat ihre Philosophie so zusammengefasst: "Persönlich ist mir die Funktion völlig egal. Wenn ich höre: "Wo kannst du das tragen?" oder "Es ist nicht sehr tragbar", oder "Wer würde das tragen?".... Dann heißt das für mich nur, dass es jemand nicht kapiert." Der Comme-Kult lebt in ihren Schützlingen Kei Ninomiya, Fumito Ganyru, Chitose Abe von Sacai und Junya Watanabe weiter, von denen viele ihre Karriere als Schnittmacher für Kawakubo begannen.

Die Belgier

Während die Japaner Paris einnahmen, stürzten sich die Antwerp Six auf London. Zu dieser legendären Gruppe junger Kreativer, die gerade erst von der Royal Academy of Fine Arts in Antwerpen kam, gehörten unter anderem Walter Van Beirendonck, Ann Demeulemeester und Marine Yee. Ehrenmitglied Martin Margiela, ihr belgischer Zeitgenosse, entwickelte sich mit seiner berüchtigten Anonymität zu den faszinierendsten Figuren der Avantgarde des späten 20. Jahrhunderts seine Kreationen wie die Stockman-Schaufensterpuppenmiedern, die hufartigen Tabi-Stiefel und der Bettdeckenmantel haben mittlerweile Ikonenstatus. Aus der Akademie kam auch das Design-Duo AF Vandevorst, das sich der Erforschung von fleischfarbenem Leder, Krankenhausbetten, Kissen und Uniformen, mit einem ominösen roten Kreuz darauf widmete.

Aus Österreich kam Carol Christian Poell, ein Lederkunsthandwerker, der in der Tradition von Margiela seine Identität verbirgt, unkonventionelle Praktiken zur Bearbeitung von Leder nutzt, welches er dann mit Tierblut gerbt und Wolle durch menschliches Haar ersetzt. Iris Van Herpen aus den benachbarten Niederlanden, deren ätherische und sofort erkennbare zukunftsweisende Fashion-Tech-Kombination der Tradition der nördlichen Avantgarde ein Update verleihen, ist die neue Fackelträgerin dieser Avantgarde.

The Brits

Die Briten beziehen ihre neuen Modetalente aus einer zentralen Quelle: Central St. Martins, eine Institution, die seit Jahrzehnten die europäische Innovation vorantreibt, obwohl abzuwarten bleibt, ob der Brexit diese Pipeline gefährden wird. Gareth Pugh, der in der langen Tradition der Fashion-as-Performance-Kunst steht, für die das Land bekannt ist, schafft Werke mit skulpturalen Formen aus Materialien wie Latex, Plexiglas, Nerz und menschlichem Haar. Craig Green, der jüngste dieser Gruppe von Dissidenten, arbeitet ‘outside the box’ und mischt Holz und Wolle, Wandkunst und Wearables. Der zypriotisch-britische Hussein Chalayan, ein unerbittlich neugieriger und zerebraler Erfinder, hat Röcke in Couchtische verwandelt und Kleider aus beweglichen Flugzeugteilen angefertigt. Das Ausmaß seiner Experimentierfreude ist endlos und begann damit, dass er seine Abschlusskollektion in der Erde vergrub, um zu sehen, was dort mit ihr passieren würde.

Dies ist eine Übersetzung eines englischen Beitrags von Jackie Mallon. Jackie Mallon lehrt Mode in New York und ist die Autorin des Buches ‚Silk for the Feed Dogs’, ein Roman, der in der internationalen Modeindustrie spielt. Übersetzung und Bearbeitung: Barbara Russ

Fotos: Comme des Garçons, Hussein Chalayan shift dress, Issey Miyake Piece Of Cloth, Martin Margiela Tabi boot, FashionUnited