Im Blumenmeer: Jonathan Andersons Couture-Debüt für Dior

Unter einer schwebenden Blumenwiese im Musée Rodin entfaltete sich Jonathan Andersons Haute-Couture-Debüt für das französische Modehaus Dior. Der historische Veranstaltungsort wurde so in ein lebendiges Ökosystem verwandelt.

Die Geste erinnerte unweigerlich an Raf Simons' eigene florale Inszenierungen für das Haus. Besonders unvergesslich war seine Couture-Show 2015, bei der die Wände des Museums vollständig in Blüten gehüllt waren. Solche Momente definierten die Dior-Couture neu als eine immersive, fast andächtige Begegnung mit der Natur.

Während Simons Blumen als Architektur inszenierte, behandelt Anderson sie als lebendige Gedanken. Die Show-Notes gaben weitere Einblicke: Wenn man die Natur kopiert, lernt man immer etwas dazu. Die Natur, so hieß es, bietet keine endgültigen Antworten, sondern nur Systeme in Bewegung, die sich im Laufe der Zeit entwickeln und anpassen. Haute Couture, so Anderson, folgt derselben Logik. Sie ist kein statisches Archiv des Erbes, sondern ein Labor für Ideen. Hier sind Experimentierfreude und Handwerkskunst untrennbar miteinander verbunden und altehrwürdige Techniken bleiben aktives, lebendiges Wissen.

Für seine erste Couture-Kollektion nähert sich Anderson Dior nicht als Erneuerer, sondern als Sammler. Objekte, die Emotionen wecken, werden gesammelt und zu einem abstrakten Ganzen neu geordnet. Die Kollektion ist wie eine Wunderkammer aufgebaut, ein Kuriositätenkabinett. Darin existieren Artefakte, Texturen und natürliche Formen nebeneinander und laden eher zur stillen Betrachtung als zum Spektakel ein.

Blumen waren überall

Orchideen erschienen als funkelnder Schmuck, der von den Ohren hing oder auf den Schultern ruhte. Sie wurden auf Kleider gestickt, vergrößert und wiederholt, ein Echo der Blumen über den Köpfen des Publikums. Der Bezug war sowohl persönlich als auch historisch. Christian Dior selbst war ein begeisterter Gärtner. Anderson betonte diese Verbindung kürzlich in einem Instagram-Post. Er erinnerte sich an einen Moment kurz vor seiner ersten Damenmodenschau für das Haus, als John Galliano ihn besuchte. Galliano brachte zwei mit schwarzem Seidenband gebundene Alpenveilchensträuße sowie eine Tüte mit Kuchen und Süßigkeiten von Tesco für das Atelier-Team mit. „Es waren die schönsten Blumen, die ich je gesehen hatte“, schrieb Anderson.

Neben den floralen Elementen prägten die anthropomorphen Keramiken von Magdalene Odundo die skulpturalen Silhouetten der gesamten Kollektion. Die Show begann mit Kleidern, die sich sanft um den Körper legten und Kurven und Gesten betonten, anstatt sie einzuengen. Unerwartet an Säumen und Nähten platzierte Schleifen sorgten für eine verspielte Stimmung. Sie widersetzten sich der Ernsthaftigkeit, in die Couture manchmal verfallen kann.

Die Handarbeit dominierte, wobei Techniken im Mikromaßstab zu Makroeffekten erweitert wurden. Blumen wurden aus Seide geschnitten oder zu dichten, fühlbaren Stickereien verdichtet. Strukturierte Garne wurden von Hand zu gesprenkelten Tweeds gewebt. Netze legten sich wie Schleier über bauschige Volumen und milderten die Struktur, ohne sie aufzulösen. Strickmode, die in der Couture selten im Vordergrund steht, fand hier als Ausdruck von handwerklichem Geschick und Experimentierfreude Eingang in das Vokabular, nicht nur als Komfortelement.

Accessoires wurden als einzigartige Artefakte konzipiert. Geformte Handtaschen und umgewandelte Fundstücke wirkten weniger wie Produkte als vielmehr wie Kuriositäten. Jedes Objekt besaß die stille Autonomie eines Sammlerstücks.

Nicht alle Reaktionen waren eindeutig. Einige Kritiker:innen merkten an, dass die Kollektion von einer strafferen Auswahl profitiert hätte. Der Instagram-Modekritiker, BoringNotCom, bemerkte, dass die Show erst richtig lebendig wurde, als Schwarz in die Farbpalette aufgenommen wurde und eine schärfere Silhouette zum Vorschein kam. Diese Kritik verdeutlicht die Spannung zwischen Fülle und Fokus, die Andersons Wunderkammer-Ansatz innewohnt.

Dennoch etablierte die Kollektion als Debüt eine klare philosophische Haltung. Anstatt die Couture zu nutzen, um die Vergangenheit zu monumentalisieren, positioniert Anderson sie als ein Denkwerkzeug. Sie ist ein Raum, in dem Ideen durch die Hände erprobt werden. Natur, Erinnerung und Handwerk werden als lebendige Systeme und nicht als starre Referenzen behandelt.