Mode jenseits des Binären

Sollten Sie jemals eine Modenschau von Comme des Garçons gesehen haben, dann ist es unwahrscheinlich, dass Sie gleich danach losgerast sind, um einen der Catwalk-Looks von Rei Kawakubo zu bestellen, die meist von abstrakten Vorstellungen und avantgardistischem Konstruktivismus geprägt sind.

Doch gerade in der sich ständig weiterentwickelnden Welt des Stils und dem, was wir von Mode erwarten, finden wir uns in falschen Dichotomien gefangen. Kommerziell versus künstlerisch. Tragbar versus Avantgarde. Mainstream versus Haute Couture. Aber während die Branche reift und die Grenzen zwischen diesen vermeintlichen Gegensätzen verschwimmen, ist es an der Zeit, ein differenzierteres Verständnis für das wahre Wesen der Mode zu entwickeln.

Mode als Konstrukt und Idee

Im Kern ist Mode eine Sprache - ein komplexes System aus Zeichen und Bedeutungen, das weit mehr kommuniziert als reine ästhetische Präferenz. Wenn Demna Gvasalia Models in übergroßen Anzügen (und klobigen Sneakern) über den Balenciaga-Laufsteg schickt, die an das Power-Dressing der 1980er Jahre erinnern, entwirft er nicht nur Kleidung, sondern konstruiert ein Narrativ über Gender, Macht und Nostalgie.

Dieser konzeptionelle Ansatz muss jedoch nicht im Widerspruch zur kommerziellen Tragbarkeit stehen. Jacquemus' Le Chiquito Mini-Tasche, die kaum groß genug für einen Lippenstift ist, begann als augenzwinkernder Kommentar zu unserer Besessenheit mit Accessoires. Inzwischen ist sie zu einem Bestseller geworden und beweist, dass sich Ideen durchaus in kommerzielle Erfolge umsetzen lassen.

Das Kontinuum zwischen kommerziell und konzeptionell

Die Vorstellung, dass kommerzieller Anreiz und künstlerische Integrität sich gegenseitig ausschließen, ist bestenfalls überholt, schlimmstenfalls gefährlich einschränkend. Phoebe Philos Zeit bei Céline hat gezeigt, dass durchdachtes, konzeptionelles Design und kommerzieller Erfolg nebeneinander existieren können. Ihre minimalistische Ästhetik, die in den Ideen moderner Weiblichkeit und Funktionalität verwurzelt ist, fand sowohl bei den Konsument:innen als auch bei der Kritik Anklang.

In ähnlicher Weise schlug Virgil Ablohs Arbeit bei Off-White und Louis Vuitton eine Brücke zwischen Streetwear und Luxus und stellte die althergebrachten Vorstellungen davon in Frage, was „Haute Couture“ ausmacht. Seine Designs, die tief im konzeptionellen Denken über Rasse, Klasse und Kultur verwurzelt waren, waren ein Hit bei den Verbraucher:innen.

Catwalk-Träume, Retail-Realitäten

Die Modenschau, lange Zeit als Höhepunkt des künstlerischen Ausdrucks der Mode betrachtet, befindet sich im Wandel. Einst ein abgeschottetes Ereignis für Brancheninsider:innen, sind Modenschauen heute globale Spektakel, die per Livestream an Millionen von Menschen übertragen werden. Diese Verschiebung hat Designer:innen gezwungen, das Verhältnis zwischen Laufsteg-Fantasie und der Realität im Einzelhandel zu überdenken. Johnathan Anderson brachte es nach der Show zum zehnjährigen Jubiläum von Loewe letzte Woche auf den Punkt: „Ich denke einfach, es macht keinen Sinn, Kleidung um der Kleidung willen zu zeigen.“

Andere Marken wie Tom Ford, Burberry und Tommy Hilfiger haben mit „See now, buy now“-Modellen experimentiert, die die traditionelle sechsmonatige Lücke zwischen Laufsteg und Einzelhandel schließen. Dieser Ansatz ist zwar nicht allgemein anerkannt, unterstreicht aber das Potenzial für Synergien zwischen künstlerischer Präsentation und kommerzieller Strategie.

Der Aufstieg des adaptiven Designs

Der vielleicht überzeugendste Beweis für die Vielschichtigkeit der Mode liegt im Aufstieg des adaptiven Designs. Marken wie Universal Standard und Nike kreieren Kleidungsstücke und Schuhdesigns, die sowohl stilvoll als auch für Menschen mit Behinderungen zugänglich sind. Diese Schnittmenge aus Funktionalität, Inklusivität und Stil repräsentiert Mode in ihrer ganzheitlichsten Form - sie geht auf reale Bedürfnisse ein und bewahrt gleichzeitig ihren ästhetischen Anspruch.

Komplexität annehmen

Während sich die Modebranche weiterentwickelt, ist es wichtig, dem Drang zu widerstehen, Design in saubere, binäre Gegensätze zu kategorisieren. Die spannendsten Entwicklungen in der Branche finden dann statt, wenn diese vermeintlichen Grenzen überschritten werden. Dies wurde bei der erstaunlich schönen John Galliano Show für Maison Margiela im Januar dieses Jahres deutlich, die ein Coup in Sachen Show und Handwerkskunst, Ingenieurskunst, Korsettmacherei, Make-up-Kunst, Bühnenbild und einfach atemberaubender Kleidung war.

Die Zukunft der Mode liegt nicht darin, sich zwischen Kunst und Kommerz, Konzept und Tragbarkeit zu entscheiden, sondern die reiche Komplexität zu akzeptieren, die entsteht, wenn diese Elemente miteinander verwoben werden. In diesem Zusammenspiel - zwischen dem Traum vom Laufsteg und der Realität der Straße, zwischen dem Konzeptionellen und dem Kommerziellen - liegt die wahre Kraft der Mode, unsere Welt zu reflektieren und zu gestalten.

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