Warum die Hongkong Fashion Week ihren eigenen Weg geht

Die Diskussionen über Modewochen scheinen einem vertrauten Muster zu folgen: Wachablösungen, Debüts von Designer:innen und die erste Kollektion unter einer neuen kreativen Leitung. Alle Augen sind auf die Luxushäuser gerichtet. Werden sie den Zauber entfachen, der die Käufer:innen in der nächsten Saison in die Geschäfte lockt? Werden neue Designer:innen die Rettung bringen, Unruhe stiften oder der Untergang sein? Und unweigerlich stellt sich die Frage: Was sagen die Kritiker:innen vom Spielfeldrand?

Wenn dann der letzte Akt der großen Vier – New York, London, Mailand und Paris – eingeläutet wird, vergessen wir gerne, dass die Fashion Week, oder zumindest die Saison der Modefestivals, bereits Anfang des Monats in Hongkong begonnen hat.

In seiner nunmehr dritten Ausgabe beginnt das Hong Kong Fashion Fest, eine eigene Form anzunehmen. Und genau das ist vielleicht das Interessanteste daran.

Hongkong hat eine andere Formel als die traditionelle Fashion Week gewählt. Das gewohnte Spektakel von Redakteur:innen und Einkäufer:innen, die von Show zu Show eilen, bevor sie im nächsten schwarzen SUV verschwinden, gibt es hier seltener. Laufstegschauen und Präsentationen existieren natürlich weiterhin. Auch der Ein- und Verkauf bleibt ein grundlegender Bestandteil des Geschäfts. Centrestage, die etablierte Handelsplattform des Hong Kong Trade Development Council (HKTDC), ist nach wie vor ein wichtiger Teil davon. Aber das Fashion Fest versucht etwas Umfassenderes: Mode soll weniger eine Abfolge von Showterminen sein, sondern vielmehr ein kulturelles und kommerzielles Ökosystem.

Soweit, so gut.

Anstatt zu versuchen, Paris, Mailand oder London zu kopieren – ein Unterfangen, das sowohl teuer als auch ziemlich sinnlos wäre – positioniert sich Hongkong als asiatisches Design- und Kulturzentrum, das Mode mit Einzelhandel, Fertigung, Nachhaltigkeit, Technologie, Kunst und, ganz wichtig, dem Geschäft verbindet.

Der Unterschied ist entscheidend

Eine traditionelle Fashion Week dreht sich hauptsächlich um die Kollektionen. Hongkong scheint sich mehr dafür zu interessieren, was vor- und hinterher passiert. Wo wird eine Kollektion hergestellt? Wer wird sie kaufen? Wie wird sie kommuniziert? Woher bekommt die Designer:innen ihr Material? Wie spricht der Einzelhändler die Kund:innen an? Und was geschieht, wenn diese Kund:innen von einem weiteren westlichen Luxuslogo auf einer Handtasche nicht mehr sonderlich beeindruckt sind?

Die Ausgabe des Fashion Fest brachte in diesem Jahr acht zentrale Programme in der ganzen Stadt zusammen. Die Themen reichten von Couture und Herrenmode über Nachhaltigkeit und Denim bis hin zu Handel und stadtweiten Einzelhandelsaktivitäten. Mehr als 300 lokale und internationale Designunternehmen sollten teilnehmen. Das Festival wurde bewusst parallel zur Centrestage geplant, um einen Großteil der asiatischen Modeaktivitäten in zwei Wochen zu bündeln.

Es ist ein sehr typischer Ansatz für Hongkong: alles miteinander verbinden, sehen, was funktioniert, und die Stadt selbst zum Veranstaltungsort machen.

Die Ambition ist eindeutig größer, als lediglich Kleider zu verkaufen

Es gibt gute Argumente für Hongkong als Modezentrum, in dem Ost und West aufeinandertreffen. Dies ist nicht nur eine bloße geografische Floskel. Die Stadt befindet sich an einem ungewöhnlich günstigen Schnittpunkt von Design, Finanzen, Einzelhandel und Fertigung. Die Möglichkeiten in Hongkong und China insgesamt sind nach wie vor beträchtlich. Es ist ein Ort, um Geschäfte zu machen und Innovationen voranzutreiben. Anders als in weiten Teilen Westeuropas gibt es hier noch Zugang zu einer großen Produktionsinfrastruktur und einer hochentwickelten Lieferkette.

Für internationale Marken ist es zudem deutlich komplizierter geworden, diesen Markt zu verstehen. Jahrzehntelang wurde chinesischen Konsument:innen die westliche Luxusfantasie verkauft. Diese reichte von Logos über europäisches Erbe bis hin zu der recht pauschalen Annahme, dass sich alle wie jemand kleiden wollen, der über die Place Vendôme flaniert.

Diese Verkaufsstrategie ist veraltet.

Eine Kampagne zum chinesischen Neujahr mit ein paar roten Laternen und einem Drachen zeugt nicht mehr von kulturellem Verständnis, egal wie schön sie fotografiert ist. Die Konsument:innen sind anspruchsvoller und informierter geworden und lassen sich vom Offensichtlichen deutlich weniger beeindrucken. Die Frage ist nicht mehr nur, wie westliche Marken nach China verkaufen können. Es geht darum, wie sie China verstehen können.

Und China hat zunehmend seine eigenen Antworten. Hongkong ganz sicher.

Eine Reihe junger Designer:innen in der gesamten Region geht ihre eigenen Wege. Tigerstrolling aus Hongkong ist ein Beispiel dafür. Sie gehören zu einer Generation, die eine internationale Modeausbildung und -erfahrung genossen hat, bevor sie zurückkehrte, um ihre eigene visuelle Sprache in der Heimat zu entwickeln. Phan Huy zum Beispiel hat seine Arbeit auf vietnamesischer Seide, Stickerei und Couture-Techniken aufgebaut, während er sich in einem zunehmend internationalen Modezirkel bewegt. Bei der diesjährigen „Virtuose“ wurde seine Arbeit neben der des Spaniers Guillermo Décimo sowie von Tigerstrolling und Vivian Luk, einer weiteren Designerin aus Hongkong, gezeigt.

Es hat etwas Befreiendes, nicht die Heimat verlassen zu müssen, um es zu schaffen.

So wie amerikanische Modeschöpfer:innen ein beträchtliches Geschäft aufbauen können, ohne sofort einen Showroom in Paris eröffnen zu müssen, haben auch asiatische Designer:innen zunehmend Märkte, Produktion, Materialien, Talente und Konsument:innen direkt vor der Haustür. Hongkong und das chinesische Festland sind nicht zwangsläufig Sprungbretter in den Westen. Sie können selbst das Ziel sein.

Die Stadt selbst ist Teil der kreativen Landschaft geworden

Die Veranstaltungen verteilten sich auf Museen, Ausstellungsräume, Hotels, Galerien, Kongresszentren, Kaufhäuser und Einkaufszentren. Die Mode war nicht auf eine Branchenblase beschränkt, die von den üblichen Verdächtigen bevölkert wurde. Das Fashion Fest ist am interessantesten, wenn es genau das versteht: dass eine Fashion Week nicht unbedingt wie eine Fashion Week aussehen muss.

Bei Harvey Nichols Pacific Place brachte die Initiative „Wear’s HK“ aufstrebende Designer:innen aus Hongkong in ein Einzelhandelsumfeld, in dem die Menschen die Kleidung tatsächlich sehen und kaufen konnten. Das breiter angelegte Programm umfasste sechs Einkaufs- und Modestandorte, darunter Harbour City, IFC Mall, Hysan Place, Festival Walk und den Hong Kong International Airport. Es brachte rund 20 lokale Designer:innen mit Konsument:innen in der ganzen Stadt zusammen.

Die Idee ist einfach, aber wichtig: Wenn die Mode ein größeres Publikum will, muss sie dorthin gehen, wo die Menschen tatsächlich sind.

Vielleicht war nicht jeder Pop-up-Store gleichermaßen erfolgreich. Einige litten unter Platzmangel; andere wirkten, als wären ihnen eher die weniger prestigeträchtigen Ecken des Einkaufszentrums statt der besten Lagen zugewiesen worden. Aber die Absicht war richtig. Das Fashion Fest versuchte, Mode auch außerhalb des Fachpublikums sichtbar zu machen.

Die Hong Kong Fashion Fest Gala wurde vom Hong Kong Fashion Council organisiert und von der Cultural and Creative Industries Development Agency unter dem Culture, Sports and Tourism Bureau gefördert. Sie brachte führende Persönlichkeiten aus Mode, Wirtschaft, Regierung und Kreativbranche zusammen. Die Veranstaltung umfasste die Präsentation der zehn „Asian Designers to Watch“ und war als Treffpunkt zwischen der Mode und der breiteren Kreativwirtschaft konzipiert.

Es ist leicht, solche Veranstaltungen als Branchendinner abzutun. Zugegeben, an Zusammenkünften hat es der Mode nie gemangelt, aber die zugrunde liegende Idee ist der entscheidende Punkt. Wenn Hongkong will, dass Mode als Industrie und nicht nur als Image funktioniert, müssen die Menschen, die sie finanzieren, herstellen, verkaufen und regulieren, im selben Raum sein. Außerdem ist es in Ordnung, inmitten der düsteren Stimmung im Rest der Welt auch einmal Erfolge zu feiern.

Bei einer Podiumsdiskussion drehte sich das Gespräch um die Herausforderungen für Luxusmarken, asiatische Einzelhändler und lokale Akteur:innen. Es wurde deutlich, dass die Art und Weise, wie eine Marke mit ihren Kund:innen kommuniziert, heute genauso dynamisch ist wie die Kollektionen selbst.

Die alte Formel – eine Kollektion in Europa herstellen, sie in Europa fotografieren, eine berühmte Person darin abbilden und sie nach Asien verkaufen – reicht nicht mehr aus. Chinesische Konsument:innen wurden von westlichen Marken mit ihren Logos und westlichen Kleidungsstilen bombardiert. Irgendwann wird es weniger interessant, gesagt zu bekommen, wie Luxus aussieht, wenn man es selbst entscheiden kann.

Eine neue Generation

Hier wird die jüngere Generation besonders interessant. Sie ist mit beiden Seiten der Gleichung aufgewachsen. Sie kennen Paris und London. Sie kennen TikTok und Xiaohongshu. Sie kennen europäischen Luxus und chinesische Fertigung. Sie verstehen das Theater der Mode, aber auch die Mechanik dahinter.

Sara Sozzani Mainos Ausstellung „Future Threads: Menswear’s New Waves Between Italy and Hong Kong“ machte diesen Ost-West-Dialog besonders greifbar. Als Botschafterin für internationale neue Talente und Marken der Camera Nazionale della Moda Italiana kuratierte Maino eine Ausstellung, die aufstrebende Herrenmode aus Italien und Asien zusammenbrachte. Anhand der Kollektionen für die Saison Frühjahr/Sommer 2027 untersuchte sie die sich wandelnde Beziehung zwischen den beiden Modekulturen.

Das Interessante war nicht nur, italienische und asiatische Designer:innen nebeneinander zu stellen. Es war die Andeutung, dass der Dialog nicht mehr nur in eine Richtung verläuft. Jahrelang ging der Westen nach Asien, um zu produzieren, und kehrte zum Entwerfen nach Hause zurück. Diese Trennung wird immer schwieriger aufrechtzuerhalten.

Hongkongs aufstrebende Designer:innen profitieren auch von etwas, das in den etablierten Modehauptstädten schwer zu finden ist: Möglichkeiten.

Es gibt weniger etablierte Luxushäuser, weniger Wettbewerbsebenen und, was vielleicht am wichtigsten ist, ein Netzwerk aus öffentlicher und brancheninterner Unterstützung. Die Cultural and Creative Industries Development Agency, die dem Culture, Sports and Tourism Bureau untersteht, ist zu einem wichtigen Teil dieser Infrastruktur geworden, ebenso wie Organisationen wie die Hong Kong Fashion Designers Association und der Hong Kong Trade Development Council.

Diese Unterstützung schafft Möglichkeiten. Sie schafft aber auch ein kleines Problem. Denn wenn es einen Bereich gibt, in dem das Hong Kong Fashion Fest gelegentlich Schwächen zeigt, dann ist es die Form der Veranstaltungen selbst.

In Hongkong ist es üblich, dass Regierungsvertreter:innen und Sponsor:innen bei fast jeder von ihnen unterstützten Veranstaltung eine Eröffnungsrede halten. Beim Fashion Fest sind das so gut wie alle. Darauf folgen Fotos von allen Sponsor:innen, Redner:innen und Würdenträger:innen, bevor überhaupt etwas präsentiert wurde.

Das ist etwas langwierig.

Wenn Chanel in Paris eine Show veranstaltet, muss Leena Nair keine Rede halten, bevor die Models auf den Laufsteg kommen. Führungskräfte von Kering müssen nicht einzeln mit jeder Person fotografiert werden, deren Geld die Show ermöglicht hat. Die Modebranche versteht, dass es manchmal der beste Weg ist, Selbstvertrauen zu zeigen, indem man einfach mit der Show weitermacht.

Natürlich ist es beeindruckend, wenn Regierungsvertreter:innen anwesend sind, die Mode unterstützen und ernsthaftes Interesse zeigen. In vielen europäischen Städten sind Politiker:innen durchaus in der Lage, für ein Foto und den obligatorischen Händedruck aufzutauchen und dann wieder zu verschwinden. Die Vertreter:innen Hongkongs scheinen zu verstehen, dass Mode eine Wirtschafts- und Kulturbranche ist, die es wert ist, aktiv gefördert zu werden, und sie sind wirklich entscheidend für ihren Erfolg.

Aber Mode braucht auch ein wenig Spontaneität. Ein wenig Respektlosigkeit. Ein wenig Coolness. Zu viel Zeremonie kann dem die Luft nehmen.

Der Vortrag des in Shanghai ansässigen Kommunikations- und Kreativstrategen Bohan Qiu auf dem Fashion Summit war besonders relevant. Qiu, Gründer des BOH Project, arbeitet seit Jahren an der Schnittstelle zwischen chinesischer und internationaler Mode. Er ist zu einer der sichtbarsten Stimmen in der Entwicklung des chinesischen Luxusmarktes geworden. Seine Karriere führte ihn durch die Bereiche Mode, Kommunikation, Modeln und kreative Produktion. Dies verschaffte ihm eine besonders nützliche Perspektive darauf, wie europäische Luxusmarken ihre Sicht auf die chinesischen Konsument:innen überdenken mussten.

Wenn man ihm zuhört, bekommt man das Gefühl, dass der chinesische Modemarkt nicht mehr durch europäische Referenzen erklärt werden muss.

Vielleicht liegt hier die größere Chance für Hongkong. Das Fashion Fest muss nicht zu einem zweiten Paris werden. Es muss nicht einmal ein zweites Shanghai werden. Es könnte etwas Nützlicheres werden: ein Ort, an dem die verschiedenen Teile der asiatischen Mode zusammenkommen. Ein Ort, an dem Designer:innen Hersteller und Einzelhändler finden. Wo internationale Marken zuhören statt nur zu verkaufen. Wo Konsument:innen Mode außerhalb des traditionellen Luxuskreislaufs begegnen können und wo Kultur und Kommerz am selben Tisch sitzen dürfen.

Aber damit das geschieht, muss das Festival seinen eigenen Instinkten vertrauen. Ein wenig weniger Zeremonie. Weniger Fotos von Menschen, die hinter Rednerpulten stehen. Mehr vielfältige Designer:innen und mehr Mode.

Und vielleicht gelegentlich das Selbstvertrauen haben, jemanden ohne die Zustimmung von oben eine coole Party organisieren zu lassen.