Ursprünglicher Mitwirkender von McQueen präsentiert Marke bei Atelier Jolie

Simon Ungless ist gerade wieder nach San Francisco zurückgekehrt, nachdem er einen Aufenthalt im Atelier Jolie absolvierte — dem neuen, von Angelina Jolie gegründeten New Yorker Modeunternehmen zur Förderung des Kunsthandwerks. Er arbeitet fleißig an den Kleidungsstücken für seine kommende Show während der El Paseo Fashion Week.

Im Jahr 2020 gründete er sein Herzensprojekt When Simon Met Ralph, während er weiterhin Vollzeit im Lehrwesen tätig war. Der Ursprung des Namens ist bezeichnend für Ungless' künstlerischen Prozess der glücklichen Zufälle: Schon früh erkundigte sich jemand nach dem Namen seiner aufkeimenden Marke, er schaute an sich herunter, sah, dass er ein Ralph-Lauren-Poloshirt trug, und antwortete: „When Simon Met Ralph.“

Diese Ungezwungenheit spiegelt die Essenz des Punk und die DIY-Ästhetik wider, die in Ungless' Arbeit seit seinen frühen Tagen präsent ist, als er mittellos und voller Kreativität mit seinem Freund, dem verstorbenen Designer Alexander McQueen, zusammenarbeitete, um dessen Laufstegkollektionen in einem Hinterhof in Südlondon zu entwerfen.

Der Kreis schloss sich jüngst, als Ungless letztes Jahr wieder zu McQueen eingeladen wurde, um mit Sarah Burton an ihrer letzten Kollektion für das Modehaus zusammenzuarbeiten. FashionUnited konnte etwas Zeit mit Ungless verbringen, um mit ihm über seine Rückkehr in die Branche zu sprechen, nachdem er 25 Jahre lang das Modeprogramm an der Academy of Art University aufbaute und leitete, und um einen Einblick in seine aufregenden neuen Projekte zu bekommen.

Was ist die Motivation hinter When Simon Met Ralph?

Ich glaube, es war, als ich Ende der 90er Jahre nach Kalifornien zog und anfing, mich über Nachhaltigkeit und bewusstes Design zu informieren, aber auf eine grundlegende Weise. Ich habe darüber nachgedacht, wie ich meine Kleidung langlebiger machen kann, und mir war bewusst, wie viele Dinge ich einkaufte. Von einem Tag auf den anderen habe ich mich umentschieden und mir überlegt, warum ich das Polohemd, das ich schon ein paar Mal getragen hatte und die Leute schon gesehen hatten, nicht zusammenfalten und mit Harz oder Latex beträufeln sollte, oder ob ich es nicht ein halbes Jahr nach draußen legen sollte, um zu sehen, was die Sonne mit der Farbe anstellt. Das war eigentlich der Anfang.

Wie hat sich Ihr künstlerischer Prozess von dort aus entwickelt?

Es ging darum, wie man die Leute vom Einkaufen abhalten kann, und mehr darum, unsere Schränke zu durchstöbern und Gegenstände zu „rehabilitieren“, um zu sehen, wie wir mehr Leben aus den Kleidungsstücken herausholen können. Ich bin in einer glücklichen Lage, denn ich habe dank meiner Arbeit Erfahrung darin und natürlich hilft die McQueen-Sache wirklich. Kürzlich habe ich für eine Kundin zwei Hemden ihres Mannes aufgearbeitet, und jetzt liebt er die Hemden wieder, aber es ist auch so, als hätten sie ein Stück meiner Kunst.

Wo bekommen Sie Ihre Kleidungsstücke her?

Seit fast 40 Jahren habe ich ein riesiges Archiv gesammelt, das ich in meine Arbeit integriert habe. Ich versuche, wirklich bewusst zu sein und suche vielleicht zwei Tage pro Woche. Ich gehe zu Nachlassverkäufen und habe ein paar Secondhandläden, in die ich gehe, und die Leute geben mir ständig Sachen, plus ein paar Ressourcen in der Branche. Wenn ich irgendwo hinfahre, plane ich meine Route so, dass ich dort einkaufen kann, denn ich möchte meinen CO2-Fußabdruck nicht noch weiter vergrößern. In der Nähe gibt es einen unglaublichen kleinen Laden am Russian River, und die Mitarbeiter:innen schicken mir eine Nachricht, wenn sie etwas haben, von dem sie wissen, dass es interessant sein könnte. Ich kaufe keine Massenware, sondern nur Einzelstücke, so dass ich nicht online versuche, zum Beispiel zehn Ballkleider zu finden. Ich möchte nicht in die Produktion einsteigen.

Wie sind Sie auf Atelier Jolie gestossen?

Angelina hat mich auf Instagram gefunden und ich glaube, sie mochte meine Arbeit. Wir haben eine ähnliche Ästhetik, und ich glaube, ihr gefiel die Tatsache, dass ich im Lehrwesen tätig war, aber auch wusste, dass ich ein bisschen ein Unruhestifter bin. Wir trafen uns zum ersten Mal per Zoom und ich hatte das Gefühl, ich hätte mich gerade eine Stunde lang mit einer alten Schulfreundin unterhalten. Aber Atelier Jolie ist ganz sie; es ist ihr Plan, es ist ihr Projekt. Es ist keine Lizenz und es geht nicht um die Produktion. Es geht nicht um Profit. Es geht um eine andere Art des Seins und hoffentlich können wir am Ende des Tages den Menschen durch Wissen helfen. Es geht nicht darum, die nächste große Marke zu erschaffen, sondern eher darum, das zu verhindern, wenn überhaupt. Deshalb habe ich ‘ja’ gesagt.

In Ihrer Zeit bei Atelier Jolie haben Sie Stücke aus den Kleiderschränken von New Yorker:innen umfunktioniert, die ihre Sachen in den Laden brachten. Wie war das?

Ich hatte das Gefühl, dass sich der Kreis zur Kunst wieder schließt. Das alles hängt damit zusammen, warum ich in den Lehrberuf gegangen bin, aber auch damit, warum ich ihn wieder verlassen habe, und verbindet meine Kreativität mit dem, was Atelier Jolie zu erreichen hofft. Es geht darum, die Kunst wieder in die Mode einzubringen, etwas, das vielleicht vor ein paar Jahrzehnten üblicher war und was mich ursprünglich zur Mode hingezogen hat, aber es ist irgendwie aus der Branche verschwunden. Vielleicht bin ich sehr naiv, wenn ich denke, dass ich dazu beitragen kann, etwas davon zurückzubringen, aber es scheint einen Nerv zu treffen. Meine Arbeit beschäftigte sich schon vor dem Atelier mit diesem Thema, aber die Ereignisse fügten sich perfekt zusammen. Vor Jahren hörte ich Lee sagen: Ich bin hier, um die Branche von innen heraus zu zerstören. Und das ist mir immer im Gedächtnis geblieben. Ich kann das nachvollziehen. Es muss etwas verändert werden, wenn nicht gar zerstört.

Haben sich Ihre Inspirationsquellen seit der Zeit, die Sie in McQueens Hinterhof arbeiteten, verändert?

Nein, ganz und gar nicht. Von den Dingen, von denen ich seit meiner Kindheit besessen war, bin ich immer noch besessen. Als ich zum Beispiel das erste Mal Bilder des Tollund-Mannes sah, war ich völlig besessen, und ich habe gerade ein Kleid auf meinem Drucktisch liegen, von dem ich glaube, dass es von der Frau des Tollund-Mannes getragen worden sein könnte, wenn sie in den 1970er Jahren LSD genommen hätte. Ich muss immer eine Geschichte erzählen, wenn ich arbeite, eine Person oder eine Geschichte. Und deshalb arbeite ich so gerne mit gebrauchter Kleidung, weil ich damit sehr schnell eine Geschichte aufbauen kann.

Sind Sie auf der Suche nach einer Einzelhandelsfläche, oder möchten Sie weitere Geschäfte eröffnen?

Ich war immer sehr dagegen, mit dem, was ich mache, in Geschäfte zu gehen, und so habe ich online und direkt an die Verbraucher:innen verkauft, aber das ist so schwierig. Ich verbringe mehr Zeit damit, mich mit Spinnern herumzuschlagen als mit Leuten, die etwas kaufen wollen, und ich musste schon einige Leute aussperren. Ich bin nicht super teuer, aber ich kann keine Artikel für 25 US-Dollar verkaufen, und ich mache auch kein „Buy one, get one free” oder so. Ich habe in der Vergangenheit ein paar wirklich tolle Einzelhandelsangebote abgelehnt, weil ich diesen Weg nicht gehen wollte.

Aber das Atelier funktioniert für mich, weil die Kleidung zwar zum Verkauf steht, aber auch ein Beispiel dafür ist, was man mit den Mitteln, die im Erdgeschoss zur Verfügung stehen, machen kann. Die Leute können reinkommen und sich ein wenig inspirieren lassen, dann können sie ihren Mantel ausziehen, ihn auf den Drucktisch legen und ihn an Ort und Stelle bedrucken. Es ist dieser freie Austausch von Ideen. Es gibt nichts Schöneres, als wenn jemand, der keine Erfahrung mit Mode hat, hierher kommt und diese Erfahrung macht. Es ist toll, großzügig zu sein und diese Informationen zu teilen. Das ist es, was ich will. Deshalb denke ich, dass das Atelier für mich funktioniert, und vielleicht noch ein paar andere Geschäfte, andere Standorte. Wenn sich mir die Möglichkeit bietet, weiterhin am Atelier teilzunehmen, würde ich gerne sehen, wohin das führt.

Sie erwähnten Preise, könnten Sie eine Preisspanne für Ihre Stücke angeben?

Es ist wirklich eine breite Spanne. Einige Stücke, die ich besorgt habe, sind sehr speziell und haben mich viel Zeit gekostet. Im Atelier gibt es zum Beispiel einen wirklich tollen Romeo Gigli-Anzug aus den späten 80er Jahren, den ich mir dann geschnappt habe. Er kostet 2.000 Dollar, was ich für dieses besondere Stück für angemessen halte, aber dann habe ich Sweatshirts für 250 bis 300 Dollar, und dann gibt es Preise dazwischen, je nach Stück und der Arbeit, die darin steckt. Es kann sein, dass ich einen Mantel eine Woche lang auf meinem Drucktisch liegen habe und daran arbeite. Ich will nicht arrogant klingen, aber die Leute sind bereit, Hunderte von Dollar für einen Abend auszugeben, aber wenn man etwas kauft, an dem ich gearbeitet habe, dann kauft man ein Stück Kunst und Geschichte. Einen Moment Geschichte.

Wie fühlt es sich an, nach so vielen Jahren im Lehrwesen wieder auf eigene Faust in der Branche tätig zu sein?

Seit ich die Akademie verlassen habe, hatte ich ein Projekt nach dem anderen, alle sehr unterschiedlich, sei es eine Ausstellung, die Mitarbeit an einem Kapitel für ein Buch, und ich habe immer noch ein paar Verpflichtungen an Hochschulen. Aber die Pause war absolut notwendig. In den letzten Jahren, in denen ich an der Akademie war, reiste ich mehr zu internationalen Schulen, und ich fing an, all das zu sehen, was ich am Lehrwesen hasse, oder genauer gesagt, an Menschen, die darin arbeiten, ohne einen soliden Branchenhintergrund oder Erfahrung zu haben. Die Chefetage saugt einen aus, und ich fühlte mich völlig ausgebrannt.

Nach der Pandemie musste ich nach meinen eigenen Regeln leben und wieder an dem arbeiten, was ich tue, mit ein paar kleinen Nebenjobs als Gastprofessor, einer kleinen Beratungstätigkeit an einer örtlichen Berufsschule, so dass ich immer noch Erfahrung in der Arbeit mit Studierenden sammeln konnte. Mir wurde klar, dass ich vielleicht noch etwas in mir habe, aber nicht in Vollzeit. Ich habe wieder etwas zu geben, und meine eigene Arbeit füllt mich aus, und dann kann ich großzügig sein, wenn ich etwas zurückgeben möchte. Ehrlich gesagt, ich hatte die besten anderthalb Jahre. Die Zusammenarbeit mit Sarah bei dieser Ausstellung REBEL 30 Years of London Fashion im Design Museum, die im Februar zu Ende ging und von Sarah Burton kuratiert wurde) war ein Geschenk. Ich war am Anfang und am Ende dabei, denn es ist das Ende unserer Zusammenarbeit mit McQueen. Es ist jetzt eine ganz andere Geschichte.

Dieser Artikel erschien ursprünglich auf FashionUnited.uk. Übersetzt und bearbeitet von Simone Preuss.